Ренесанс за кино на живо

VR и AR може да заемат всички заглавия, но прогресивното поле на киното на живо и аудиовизуалното изпълнение на изкуството е също толкова важно и вълнуващо

В „Nickelodeons на Nature“ Джейсън Сингх изпълнява на живо видео, изрязано от Ейми Катлер.

Тазгодишният Sheffield Doc / Fest се гордееше с гордо еклектична програма: Verité с пълна достъпност, тежки разследвания, музикални проучвания и своеобразни късометражни филми седяха заедно, на моменти малко неудобно, като тесни пътуващи на лондонската тръба.

Но едно от най-странните предложения дори не беше филм, само по себе си - това беше кино спектакъл, наречен Nickelodeons на Nature. Режисьорът / географ Ейми Кътлър снабди кадри от огромен набор от документални филми за дивата природа, които внимателно подбраните музиканти бяха натоварени със задачата да „анимират“, като пускаха партитури на живо, създадени специално за случая.

В нощен клуб на Sheffield в Leadmill зрителите се подсмихнаха, докато бийтбоксърът Джейсън Сингх имитираше коремите на японските калници в синхрон с изображения, прожектирани зад сцената. Когато сцената се измести към гризливи подслони от плъхове, които се роят над големия екран, от всички наоколо се извикаха гризачи и драскотини; „свиреп хор“, ръководен от Фил Минтън, беше проникнал в тълпата, за да предостави на старата школа съраунд звук.

Вдъхновението на Кътлър за парчето, което съдържаше шест различни раздела, идва от изоставения план на Уолт Дисни за представяне на природни документални филми в зоологически градини, слети с нейното изследване как блокбастър телевизионните предавания като Планета Земя играят на нашите емоции.

„От титлиране и боклук, до буксиране на сърцевините, е трудно да се мисли за формат, който се върти повече около манипулирането на привличането на публиката“, казва Кътлър. „Защо е толкова важно да се намесим в идеята за природодокументалния филм - често най-пасивно консумираната форма на разказа за природата - и да насочим вниманието към своя социален живот като преди всичко живо преживяване?“

Халик Алах, фотограф със седалище в Ню Йорк, си партнира с музиканта Гайка за арт-док хибрид „Черна майка”.

За много главни герои на живо кино - не се ограничава до природни документи - отговорът е належаща икономическа необходимост от създаване на нови, вълнуващи стимули, които привличат хората към независими филмови места в ерата на Netflix.

Пуристите ще твърдят, че няма нищо подобно на светещата магия и величие на истинско кино - но висококачественото стрийминг при поискване, комбинирано с все по-достъпни системи за домашно забавление, представлява по-удобна и удобна алтернатива за цифровото поколение.

„В ерата на Netflix съществува належаща икономическа необходимост от създаване на нови, вълнуващи стимули, които привличат хората към действителни, независими места за филми.“

На Sheffield Doc / Fest Nature Nickolodeons беше част от по-широка програма на живо. Освен едновременни саундтрак изпълнения, включително композиция от Гайка за хипнотизиращия хибрид на черната майка art-doc хилик Алик Алах (по-горе), няколко филма бяха последвани от концерти - като Tranny Fag, който разказва историята на загадъчния бразилски певчески транс Лин Да Кебрада, който на пръв поглед се телепортира от екрана от Сао Пауло, за да играе за бурна тълпа в картинната къща на Abbeydale.

„Тази година беше кино на живо - да покажем на хората къде искаме да отведем фестивала“, казва Люк Муди, главен програмист в Sheffield. „Търговските обекти нямат възможност да експериментират и да поемат рискове, така че това, което правим, е да изпробваме нещата и да докажем на изложителите, че тези идеи могат да работят.“

Moody не е силно загрижен от ефекта на Netflix.

"Ние сме нелепо разглезени, защото можете да намерите всичко онлайн, но хората са гладни за алтернативи", обясни той. „Красотата на всяко събитие е преживяването да бъдеш с други хора - тела, вибриращи от емоция, глави кимащи на музика. Това е онзи шум на движение. "

Док фестивалът дори проведе среща на върха на живо на кино, свикан за първи път от едноименната си родителска организация Live Cinema UK, която също си сътрудничи с художници и продуцира индустриални проучвания.

Доклад от 2016 г. установи, че 48 процента от 576 независими изложители на филми (без мултиплекси) са домакини на събития на живо, широко определяни като „филмови прожекции, увеличени от синхронно изпълнение на живо, специфични за сайта места, технологична интервенция, ангажиране в социалните медии и всякакъв начин на едновременна интерактивна моменти, включително пеене, танци, ядене, пиене и мирис. “ Повече от половината от тези събития включваха саундтрак.

Актът за създаване на културен орган за ефективно институционализиране на сектора на живото кино е завладяващо развитие: Освен че предоставя финансова подкрепа, проучва каналите за разпространение и провежда научни изследвания, той дава възможност на кураторите и практикуващите хибридни форми, които често се противопоставят на ясна категоризация. се събират около собствения си флаг - и точно това се случи на срещата на върха в Шефилд.

За кросдисциплинарните създатели, притежаването на лесен за пазара етикет да се придържа към порестата сива зона между киното, музиката, театъра и визуалното изкуство - както и организация, която активно да подхранва тази интригуваща пресечна точка на културния пейзаж - е завладяваща идея.

„Въпреки че повече хора са започнали да го оценяват и разбират през последните 10–15 години, той все още попада между тези пукнатини по отношение на утвърдените културни пространства“, казва Кристофър Томас Алън, аудиовизуален художник, който работи върху AV AV на живо от 90-те години с неговия колектив „Леки хирурзи“.

"Очаква се визуално съпровождане на много музика", продължи той, "така че музикалните видео и видео се превърнаха в своеобразен ежедневен речник; хората създават собствена медия. Киното на живо има толкова много пипала, което го прави интересно - но и трудно да го определят. “

Изпълнител на Splice Festival, Лондон, 2018.

Преди три години Алън беше основател на лондонския фестивал Splice (горе). За разлика от фокуса на филма в Шефилд, той е шампион на друг основен играч в аудиовизуалното изпълнение: „VJ“ - проста стенограма за визуалния еквивалент на DJ. Най-общо казано, ролята на VJ е да създава образи, които следят в реално време звуците на група, солов изпълнител или селектор - и все по-замислени в тандем със самата музика.

Това е дисциплина, която бързо нараства в признанието, както може да свидетелства самото съществуване на Splice. Масово, големите места и фестивали са инсталирали мощни прожектори или гигантски LED екрани, които умножават възможностите за изпълнение - и някои промоутъри започват да дават на VJs равни такси като своите музикални колеги. В Южна Америка ZZK Records всъщност подписа дигитален изпълнител - Фидел Елюри, който обикаля в световен мащаб със своя колега еквадорски лейбъл Никола Круз, любимец на електро-фолк сцената.

По-близо до дома си, общоевропейската мрежа AVNode се превърна в жизненоважно звено за аудиовизуалната общност, като използва средствата на ЕС за подкрепа на 36 фестивала в дузина държави, включително Splice. Друг е фестивалът на живото кино в Рим, който през 2016 и 2017 г. се проведе в музея на MACRO - място, което символизира нарастващото приемане на живо AV в институционалната сфера на съвременното изкуство.

„Дълги години се случваше главно на ъндърграунд партита и рейви, но сега излизаме от сенките“, каза ми унгарският VJ Габор Китцингер по време на събитието в Рим през 2016 г. Той определи преломната точка като някъде около 2008 г., когато видеокартирането на сградите започна да се излага - изтласквайки динамична визуална субкултура в очите на обществеността.

Феновете на живата музика на Diehard с цинично разположение могат да твърдят, че VJs компенсират само липсата на зрелище на сцената по време на електронни концерти, където обикновено компютрите са основният инструмент. На някои концерти съюзът между аудио и визуално може да се почувства леко несигурен - но най-напредналите привърженици интегрират дълбоко кинематографичните сюжети в перформативната среда.

Матю Хърбърт, Кристофър Томас Алън и други изпълняват на Splice, 2018.

На тазгодишното издание на Splice, композиторът Матю Хърбърт си сътрудничи с Кристофър Томас Алън и други (по-горе) за премиерата на парче, създадено от звуци и образи на механик, систематично разглобяващ Ford Fiesta. Докато усукващите бутала и чукащите чукове бяха вплетени в дистопична звукова панорама, като зловещата тръба на Байрън Уолън се носеше над хаоса и блестящите визуализации на екрана, беше лесно да се прочете намерението на художника: Скандална метафора за Brexit.

През 2016 г. Хърбърт създаде специфична за сайта работа за потапящата кино инсталация на Рон Арад „Завесата на завесата“ в Лондонската кръгла къща; тя имаше електронна симфония на звуци, издавани от голо тяло за 24 часа, съчетани с абстрактни телесни визуализации, излъчени на 360-градусов пропусклив екран, състоящ се от 5600 силиконови кабела.

Студиото на Обединените визуални артисти е проектирало AV концепции за големи музикални актове като Massive Attack, чието шоу на живо включва LED дисплеи, които събират данни в реално време, картографирайки ги в жива визуална матрица, която приканва публиката да обмисли поверителност, цензура и права на човека. UVA също си сътрудничи с поп певеца Джеймс Блейк, за да създаде интерактивно сценично шоу с леки шарки и образи, предизвикани от музиканти в неговата група.

Поглеждайки назад назад, Стив Райх е друг съвременен музикант, който прокара граници с проекти като своята видеоопера „Три приказки“ (2002 г.), колаборация с режисьора Берил Корот. Във встъпителното движение „Хинденберг“ текстът от новинарските статии е ремиксиран в смразяващ хоров рейтинг, придружен от наболяващи образи на съименния дирижабъл, спускащ се в пламъци през 1937 г. И последният раздел „Доли“ изследва клонирането на животни чрез въртене на учени звукозаписи полифонична аудиовизуална пачуърк, която разказва историята на тази известна овца.

Този космически синтез на създаване на филм и неговата музика заедно в единен, органичен творчески процес може да бъде панацея за живото кино като форма на изкуството. Той надхвърля идеята просто да покани композитор да напише саундтрак или да добави рейтинг на живо към ням филм - което, разбира се, беше първоначалното въплъщение на живото кино в началото на 20 век.

Идеята за създаване на опитни събития около филма всъщност датира от 50-те и 60-те години, когато терминът "разширено кино" е въведен от режисьора на експериментални филми Стан ВандерБийк - сътрудник на иконите на авангард като Джон Кейдж и Мърс Кънингам. Триото сътрудничи на Variations V (1966), в който бяха показани многоекранни проекции, съпътстващи танцови движения, които задействаха звукови сензори, манипулирани от музиканти.

Други забележителни художници, свързани с това пионерско кръстосано поле, включват Нам Джун Пайк, Джоан Джонас и Фил Ниблок - чиято основа за експериментална интермедия е наречена с термин, който обикновено се използва за описание на аудиовизуалната работа в институционалната екосистема на музеи и галерии.

Необходими ли са този формален език и структура за утвърждаване на форма на изкуство? Със сигурност не - но това често се случва така или иначе. Основната разлика между разширената ера в киното и днес е технологията: Точно както предизвиква филмовия бизнес с Netflix и плазмени екрани, достъпността на творческите инструменти и дигиталната дистрибуция изравнява игровите условия по многобройни начини.

„Хората възвръщат средствата за производство, а не всичко това да се посредничи от големи институции и корпорации, които са изключително бавни и охранявани“, казва Кристофър Томас Алън. „Сега можете да закупите мощен проектор, да изградите свой собствен екран, да осветите сграда с видео карти. Филмът избяга от киното. ”

Вероятно, интернет проби отворени институционални порти чрез премахване на ключови икономически и физически бариери пред откриването (или освобождаването) на работа; никога не е било по-лесно да се види или да се види. И тъй като постепенно се развиват по-силни връзки между изящното изкуство, независимата аудиовизуална сфера и традиционната филмова индустрия, това е вълнуващ момент за сближаване за света на киното на живо.

Фредерик Бернас е режисьор, журналист и музикант, живеещ между Латинска Америка и Лондон. Неговият Twitter е @frederickbernas.

Тази статия първоначално е публикувана от The Quietus на 11 август 2018 г.

Всички снимки: С любезното съдействие на фестивала Sheffield Doc / Fest and Splice.